大家好，今天小編關注到一個比較有意思的話題，就是關于科技與生活主題美術的問題，于是小編就整理了2個相關介紹科技與生活主題美術的解答，讓我們一起看看吧。
結合達芬奇在各個領域的成就，如何闡述美術和生活的聯系？
在美術鑒賞的基礎上能夠產生一定的“美術批評”，根據一定的標準，對美術作品或美術現象所做出的理論分析和價值判斷。
要在文化情境中來認識和理解美術“情境”，即指影響各個時期美術的政治、經濟、歷史、文化等背景。美術作品中所反映的各種思想、觀念，都與藝術家所受到特定的政治、經濟、歷史、文化等背景的影響有關。
“對了，我還會畫畫。”――達·芬奇
這句話是達芬奇寫給米蘭統治者盧多維科公爵求職信的最后一句。當時的達芬奇也跟一個普通人一樣，經歷著30歲的危機。本該30而立的他似乎還是一事無成，于是準備去米蘭發展。他在信里細數了自己各方面的才能：橋梁設計、水道、大炮、裝甲車、舞臺、音樂等等，最后才輕飄飄的說了這么一句：“對了，我還會畫畫。”
我認為用這句輕飄飄的話~結合他的成就來闡述美術和生活的關系可能比較合適。
大家都知道，達芬奇最偉大的成就恰恰是“還會畫畫”。但是其他的比如：解剖學，地質學、機械設計、光學、植物學、動物學、甚至天文學也不曾落下。在他留下的7200多頁手稿當中圖文并茂地記錄了他對科學的探索和取得的成就：
直升機的鼻祖
動脈硬化會導致人類死亡
太陽是不動的
……
因為私生子的身份，達芬奇只能進入“算盤學校”學習實用的商業算術。在這里的學習對他日后的創作和研究影響巨大，形成了在大量的實際案例當中尋找可比性的觀念，可以說這種觀念成為他在藝術創作和科學研究的重要思路。
達芬奇從佛羅倫薩到米蘭之后，迎來了創作的黃金時代。當時的米蘭是歐洲文藝復興的中心，這里匯集了當時歐洲最頂級的藝術人才。米蘭的統治者米第奇家族上位頗有爭議，為了消除不利影響，他們大力贊助各種新奇的研究和創作，頻繁舉辦各種慶典。（這一點跟中國古代的稷下學宮創立有些相似）為了迎合統治者的需求，讓他們為自己的創作提供資源，科學和藝術進行了大量的跨界合作。比如畫家和雕塑家研究解剖學來理解人體，把幾何學融入舞臺創作研究圖形變幻，為大型的舞臺表演而發明的各種大型機械裝置等等。
沒有生活怎會有藝術？生活是藝術的唯一源泉，這話一點也沒夸張。因為無論藝術的形式怎樣的變化，唯一目的就是在于服務生活，藝術應該是對生活的提煉和升華，馬克思說過:“勞動就是創造了人的本身，藝術和生活“水乳交融”藝術也和生活各自精彩。
現在科技發達了，相機、手機拍的照片很漂亮，為什么還要學美術、畫面呢？
攝影和繪畫被稱為“姐妹藝術”，兩者在表現技巧和視覺形式上有許多可以相互借鑒之處，當然了，繪畫的發展時間要比攝影的時間更長久，而且攝影的“光影”也來自油畫的“光影”，問題來了：現在科技發達了，相機、手機拍的照片很漂亮，為什么還要學美術畫畫呢？
現在科技發達了，相機、手機拍的照片很漂亮，依舊還可以學習美術畫畫
我們現在看到的相機、手機拍出來的照片確實很寫實逼真、很漂亮，然而，科技依舊在不斷進步，攝影技術日新月異，各種新器材也層出不窮，熟悉使用新器材的過程幾乎是永無止境的，也就是說，接下來的相機、手機拍攝出來的照片還可以更寫實逼真、更漂亮，
即使相機、手機拍攝出來的照片再怎么寫實逼真漂亮，美術畫畫依舊會存在，想學習畫畫的人，仍然可以接著學習，美術畫畫依舊還有市場，為什么這么說呢？原因很簡單，就如開篇所說的那樣，攝影和繪畫被稱為“姐妹藝術”，兩者在表現技巧和視覺形式上有許多可以相互借鑒之處，
所以在學習美術畫畫時，可以以攝影照片為“參考標準”，值得注意的是，并不是對著照片臨摹，而是借鑒照片的光影效果、構圖方式，要知道攝影的合理用光與正確構圖，都可以給照片帶來獨特新穎且豐富的畫面效果，這些效果有些是美術繪畫不具備的，
我們還要深刻認清楚一個事實，攝影已不僅僅是一門技術或藝術，更是整個人類文化的重要組成部分，是對現實世界的高度還原，具有非常高的真實可信度，而繪畫又是一門再現藝術，若是學習油畫，更應從攝影照片中吸取“寫實”精髓，從而創作出具有神采意境的“人工的自然”。
現在科技確實發達了，輕輕一按就可以拍到完全真實的畫面，惟妙惟肖，記錄了人的真實長相，周圍的環境，其他動物，植物，在生活中占據了很大的內容。
至于為什么還要學美術，畫畫，這就是一個藝術追求的問題，美學是有基本規律的，同樣的事物，沒學過美術的人和會畫畫的人拍出來的效果就有很大的不同，有人拍肖像沒有抓住對象美的瞬間，角度不對，時間不對，拍出來就很呆板，平常。而一個畫家，他會從各種角度觀察模特和景物，找到最美的角度，用最美的色彩，嫻熟的技巧把平常人不注意，看不到的瞬間抓住，加上他個人的經歷，審美，才能創作出好的作品，照片可以復制，而繪畫作品只能有一幅，能拍出高價，被藝術品鑒賞家收藏，有些藝術品是無價的。
可以這么說，如果不是看到原作仔細分辨，大家很難從圖片資料中分辨出哪一幅是繪畫作品，哪一幅是照片效果的。因此，在照相技術出現后，傳統手繪方式是否會被淘汰也一直爭議不斷。
有意思的是，就連靳尚誼、陳丹青這樣的實力派藝術家，竟然也明確表達過數字繪畫會最終取代傳統手繪方式的觀點。
相比之下，陳丹青的觀點更為激進一些，他認為數字繪畫會全面取代傳統手繪形式。靳尚誼先生認為現在的照相技術和數字圖像處理技術突飛猛進，對于油畫，尤其是寫實風格的油畫創作已經構成直接威脅。所以，他建議年輕人可以更多的去學習國畫。
其實，關于照相技術會不會取代傳統繪畫形式的問題，驚龍軒在前面的文章中已經有過專門的表述，大抵還是比較認同靳尚誼先生的觀點的。寫實類，尤其是超寫實風格的油畫創作，的確在飛速發展的數字圖像處理技術面前，基本失去了任何優勢。但是現代繪畫藝術，比如抽象繪畫等新的表現形式，還是很有獨到之處，并且是數字圖像技術很難達到的。
可惜的是，現在的很多藝術家，或者說所謂的藝術家，非但沒有意識到傳統繪畫形式受到的諸多沖擊，甚至還在急功近利思想的左右下，臨摹照片竟然成為了他們從事繪畫創作的習慣方式。不管這些藝術家有多少理論來解釋這樣的創作習慣，對于失去了傳統文化底蘊的繪畫藝術來說，這終究是一種悲哀。
從近幾屆全國美展入展的作品來看，竟然漸漸淪為了“照片臨摹展”。之所以變成這樣的境況，主要還是畫家們文化的缺失，至少是對加強文化修養的不夠重視。
時至今日，如果還是用畫得像與不像來當做繪畫審美的標準，無疑是把畫家等同為畫匠了。“畫家”這個行當，在當代已經淪落到僅僅具有工匠的精細、認真精神了。古人說：文以載道，畫見其心。現在想想，的確令人汗顏。
陳履生先生說過這樣一段話：“藝術家讀書是天經地義的簡單事情，怎么就成了問題了呢？在浮躁的社會氛圍中，藝術家的文化擔當與時代責任是缺失的。我們只是把畫家當作一種職業、一份工作、一個僅僅是創造經濟價值的勞動者。這種價值判斷的標準，毫無疑問是偏離藝術本體的。”
由此可見，本來繪畫藝術的獨特魅力并非是照相技術和數字圖像技術所能取代的，但是畫家們的不思進取和急功近利絲毫沒有感覺到這種危機感，親自斷送了傳統繪畫形式本應具備的優勢。
我們說，橋歸橋，路歸路，照像就是照像，繪畫就是繪畫，照像技術再發達，拍出的照片再漂亮，跟繪畫也不是一回事，也取代不了繪畫的藝術效果和存在價值。其根本原因在于，照像是借助于機器的攝制，繪畫是純粹的手工繪制，二者創作工具材料不同，創作方式手段不同，創作程序過程不同，創作出的作品的內涵形態不同，作品給人的視覺效果也不同。
其實早在十九世紀照像技術發明并應用之初，就有人對繪畫（寫實油畫）能不能存在和發展下去提出了質疑，確實也有一些畫家改行搞起了攝影，但后來的事實證明，油畫藝術不僅沒有因照相技術的深入普及而消亡，反而催生了印象主義抽象主義超現實主義以及波普等現代繪畫的產生。而且被人們認為受沖擊最大的寫實油畫仍然受到人們的廣泛喜愛并且還誕生了超寫實油畫。這說明，照像與繪畫雖然同是以圖象呈現的視覺藝術，卻是涇渭渭分明的兩種藝術。
不能否認，照像的快捷高效速成和真實清晰記錄還原客觀物象的能力是繪畫所不能比的。但是，繪畫所具有的優勢同樣是照像所不能比的。比如繪畫作品中融入的豐富的思想感情文化內涵和想象思維等都是照像力所不及的，特別是像中國寫意畫中的筆墨藝術和詩書畫印一體以及似又不似等等，更是照像所不能達到的。
更何況，大多數的繪畫作品都留有畫家的筆觸，繪畫畫面的厚重質感和視覺感受跟照像作品的平滑光亮的質感是很不一樣的。
到此，以上就是小編對于科技與生活主題美術的問題就介紹到這了，希望介紹關于科技與生活主題美術的2點解答對大家有用。